PRE:不知道该不该在这里写，还是应该发到别的地方，反正我看见这块有教学贴，那就贴吧，斑竹们会管的

PART 1 基本流派简述 (这部分部分内容来自网上，因为时间久远无法追溯本源，部分内容由本人编写整理）
一： 什么是 R&B？
在美国由黑人艺术家发展起来的多种相近音乐风格的统称。这些风格是以爵士乐的节奏与音调的抑扬变化，特别是切分音与带有降音的布鲁斯和弦同欧洲音乐影响相结合为基础的。是以南方乡村地区的布鲁斯脱胎换骨，混合了劳动时抒发深邃情感的随口吟唱，并受福音音乐极大影响。可区分为三种主要形式。最早期一种被称为种族音乐，是“强节奏”乐队的风格，着重强烈的节拍，独奏(特别是萨克斯风独奏)，以及咆哮呐喊式的布鲁斯唱腔。第二种形式通常称为“芝加哥布鲁斯”，由一些表演者如M.沃特斯为代表，典型的表演方式是由一个小团体利用扩音乐器表演。第三种主要形式以声乐为主，通常有小型管弦乐队伴奏，以简洁的受福音音乐影响的和声为特色。20世纪50年代中期节奏布鲁斯这个名词被黑人听众的音乐界采用；加上种族藩篱渐渐消失，芝加哥布鲁斯开始被视为民俗传统而非种族音乐，同时福音音乐也转型为广受赞赏的灵乐。节奏与布鲁斯可说是摇滚乐的始祖。广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础， Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。

二： 什么是HOUSE？
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。这是芝加哥的DJ玩出的音乐， 他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化，BASS和鼓变得更深沈， 很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素， 至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的。Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐。House可分为：
1）.Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐
2）.Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体.
3）.Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House.
4）.Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一 点像"演奏类"的House乐. 像SASH!的专辑It"s My Life便是很好的Progressive House专辑.
5）.Epic House 就是"史诗"House. Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!). BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇". 其实连Rock也有"Epic Rock"
6）.Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样? 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点. 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种"而已。
到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。

三： 什么是Britpop？
Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列Britpop。
英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead

四： 什么是 Trip-Hop？
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“Trip”，指迷幻，氤氲的药物【旅程】，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky，Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut

五： 什么是 Gangsta Rap？
Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。
Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、Geto Boys

六： 什么是 Synth Pop？
Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。
Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan

七： 什么是 ORCHESTRA ？
ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。

八： 什么是 CHAMBER POP？
CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。
外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。

九： 什么是民歌（ FOLK）？
民歌（ FOLK） 原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（ FOLK）的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP、ROCK及都市化发展， BOB DYLAN发明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（当代） FOLK路线。民歌 （FOLK）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年较新的发展是与 NEW AGE结合（如 ENYA），及与 TRIP HOP结合）如 BETH ORTON）。

十： 什么是 BOSSA NOVA ？
BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第1、4、7、11、14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。

十一：什么是 CLASSICAL POP ？
CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲

十二：什么是ACAPPELLA ？
ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。

十三：什么是 WORLD MUSIC？
WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。

十四：什么是 DREAM-POP？
DREAM-POP是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多靠SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。
代表乐队有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。
中文歌手以王菲为首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。

十五：什么是 NEW AGE？
NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。

十六：什么是Electrophonic Music？
何谓Electrophonic Music（电子音乐）？随着时代的演进，音乐家有了更多制作音乐的方法。所谓电子音乐，就是以电子合成器，音乐软体，电脑等所产生的电子声响来制作音乐。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。
电子音乐的类型也是多种多样的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop ，Drum"n"Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。

十七：什么是Techno ？
Technology， 即表示“高科技舞曲”啦！利用电脑，合成器合成，做出一些特殊音效，这种音乐常常是许多音效组合起来的。 Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快，且听起来具重复性，较强硬，较机械化，所以某些人称Techno为“工业噪音”，但某些还是会注重旋律的。 Techno起源于美国底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合，而产生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常较平缓， 不像一般的Techno那样强劲，可说是现代Techno的起源。

十八：什么是Ambient ？
听起来起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效， 或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为“情境音乐”， 且常对於生活周遭的声音做取样，如人声、汽车声，甚至是其他音乐的旋律……等等。为70年代的Brian Eno所创，是一种很“高深”的电子音乐。后来Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道。

十九：什么是Trance？
迷幻舞曲，由Techno演变而来，听了会让你有“出神”的感觉，但还是保有舞曲的律动，很注重Bass的表现，某些听了会有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍为主。不过我也有听过用Breakbeat的（下面会介绍）， 如Sven Vath的专辑Fusion。

二十：什么是Psychedelic Trance？
又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。

二十一：什么是Break beat？
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一种。

二十二：什么是Brit-Hop？
把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重，配合些许电吉他、Bass，有摇滚乐的味道， 如The Chemical Brothers的曲风即是。

二十三：什么是Big-Beat？
“大节拍”，把Brit-Hop变得更快，节奏更重，更有摇滚的味道，可说是将Brit-Hop改良后， 更成熟的一种曲风，你可以想像一下又重又碎，又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角”。

二十四：什么是Drum N" Bass？
对某些人来说，Drum N" Bass的音乐可能很烦，因为Drum N" Bass很注重在节奏上玩花样，还有Bass的表现， 像是很快很快，复杂的碎拍，以及运用各种不同的电子鼓，或是取样而来的鼓声。因此Drum N" Bass也是Breakbeat的一种。4Hero为Drum N" Bass的知名乐团。

二十五：什么是Jungle？
Jungle就是Drum N" Bass的前身。Jungle的速度比Drum N" Bass快很多，而且节拍更为复杂，比较强悍，有时会搭配一些Rap，不像Drum N" Bass会融合一些Jazz、Soul等元素，听起来比较柔（当然这是和Jungle比起来）。连“摇滚变色龙” David Bowie现在都搞起Jungle了。

二十六：什么是Electro？
早在70年代末，80年代初，那时还没有House、Techno……这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。 Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。 现在的Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。现在的Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。

二十七：什么是Dub？
Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae（瑞格，也有称之为雷鬼，一种很有节拍性，唱腔特别的南美黑人音乐）。而将Dub运用在电子乐上，则是将部份歌声抽离，将Bass和鼓声加重，并且加入大量的Echo（回音）等效果。这种技术常在现场表演时，将歌曲重新混音（Remix）呈现。像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。

二十八：什么是Chill Out？
这只是一种统称而已。在舞池旁边，常会有一个区域，或是小房间，里头会放一些较缓和，较平静的音乐，让舞客跳完舞后缓和情绪，休息一下，以放Ambient音乐为主，所以会叫“Chill Out”（冷却）就是这个缘故。The Orb可说是Chill Out音乐大师。

二十九：什么是Minimalism？
这被翻译成“极小派乐风”，在Ambient和Techno的音乐中常听的到。带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律，还有一种特别的律动，感觉上像一种特别的频率一样让你听了会有被催眠的感觉。Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno，带有相当的迷幻色彩。

三十：什么是CELTIC？
凯尔特（CELTIC)音乐是来自于凯尔特人的音乐。凯尔特人原为公元前一千年左右居住在中欧、西欧的一些部落集团，经过漫长迁徙来到英伦，其后代今天散落于爱尔兰、威尔士、苏格兰北部与西部山地各处。凯尔特人包括爱尔兰人、苏格兰高地人、威尔士人及康尼士人，他们大多操双语---英语和本族语（盖尔语或凯尔特语），除了文字或文物研究可以证明他们之间的族源关系，最直接的方式是倾听他们的音乐。典型的凯尔特风味，古老、源远流长，可以听到提琴、风笛、小竖琴或者两个风箱的手风琴。在英伦三岛、在美洲大陆，只要是在有凯尔特移民后代的土地上面，你就可以找到这样的音乐。
传统凯尔特音乐
盛行于90年代，传统的凯尔特音乐并非广义上的凯尔特音乐。其实，它具有最早的民谣歌曲的风格也有纯音乐的风格，就是那种没有受到新世纪音乐和流行音乐影响的那类纯音乐，这是它区别于当代凯尔特音乐的特点。
相关的风格：
GNR Celtic（普遍意义的凯尔特音乐） NAT Ireland（爱尔兰本土音乐）
Celtic Pop（流行凯尔特） Irish Folk（爱尔兰民谣）
Traditional Scottish Folk（传统的苏格兰民谣）
Contemporary Celtic（当代凯尔特音乐） Drinking Songs（祝酒歌曲）
Celtic Folk（凯尔特民谣） Celtic Gospel（凯尔特福音）
Traditional Irish Folk（传统爱尔兰民谣）
Celtic New Age（新世纪凯尔特音乐）
凯尔特流行（Celtic Pop）相对于传统的凯尔特音乐有很多的相似之处，美国和英国的乡村流行就利用这点来模仿---虽然悦耳的音调或是乐器在跟随流行习俗并且很少误解传统形式的音乐核心上明显的被可信的文章影响。这种风格在很大程度上开发于80年代，沿袭了在70年代复苏的传统爱尔兰民谣，这些民谣随着时间的流逝，最初创立的坚定玩民谣的表演者开始在其曲风中混合了摇滚和流行的元素（尽管顶级的摇滚乐手像the Pogues并没有适应这种类型）。当新浪潮乐迷开始在一些死板的凯尔特音乐中发掘缥缈的元素，一些凯尔特流行也开始适应这种变化，除了标准基于声学的乐器外还融入了电子合成器（但不是和凯尔特溶解的风格很相似）。Capercaillie 和Clannad是玩这种风格中最重要的两支乐队。
Celtic Rock（凯尔特摇滚）
从朋克管弦乐队如the Pogues到纽约/凯尔特的混合物如Black 47到轻微的改变爱尔兰曲调的Cranberries，Celtic这些摇滚乐队通过摇滚的韵律结合了爱尔兰演奏乐器来创作音乐，那是狂热与激情，忧郁和浪漫共存的风格。凯尔特摇滚经常展现出明显的爱尔兰酒吧音乐的特征，但是它也同时描绘了与R&B和另类摇滚并列的流行音乐
随后的Altan建立起国际知名度，从爱丁堡音乐节发迹的苏格兰Tannas乐团，则是新式Celtic Music的代表，Capercaillie、Cranberries以及Corrs (可儿家族) ，CARA DILLON则是在流行/摇滚和传统Celtic音乐之间找到了平衡点，加拿大的女歌手Loreena McKennitt，则将Celtic音乐赋予New Age意涵，融合其它文化而成为跨界音乐的代表之一。

三十一：什么是COUNTEY？
又称乡村与西部音乐(country and western)。 源于美国南方和西部乡村地区白人之间的音乐风格。“乡村与西部音乐”这个用语由唱片业在1949年采用，以取代逐渐失色的“乡土音乐”。其本源是定居于阿巴拉契亚山脉及美国南方其他地方的欧洲移民的音乐。20世纪20年代早期南部山区传统弦乐团音乐开始录成商业唱片，F.J.卡森在1923年录制了第一张热门唱片。对乡村音乐的发展来说，无线电广播比唱片更重要。20年代在南方和西部较大的城市中出现许多小电台，专门播放适合乡间白人听众的现场音乐演出或录音。影响力最大的两个常态节目是芝加哥的“民族谷仓舞”和纳什维尔的大奥普里。这类节目立刻受到欢迎，既推动更多唱片生产，也鼓励山区有才气的音乐家走向广播电台，包括卡特家族和J.罗杰斯。随着大萧条和第二次世界大战期间许多南方乡下白人迁移至工业城市，乡村音乐被带到新的地区，接受布鲁斯和福音音乐等新的影响。由于乡村音乐普遍具有怀旧倾向，那些描写白人的贫穷、失去父母的孤儿、失恋的情人和远离家乡的工人的歌词，在人口大规模迁徙的时代具有特殊的感染力。30年代若干称为“歌唱牛仔”的影星，其中以G.奥瑞最著名，把乡村音乐配上妥善改写的歌词，成为一种综合的“西部”音乐。其他乡村音乐的变体还有：以B.威尔士为代表的西部摇摆风格，随E.塔布、H.威廉斯等人崛起的酒吧音乐。到40年代，兴起一股回复乡村音乐某些根源价值的努力(参阅蓝草音乐[bluegrass])。但事实证明，商业化的影响力更为强烈。50年代和60年代乡村音乐成为一种大型的商业性企业，流行歌手常以纳什维尔风格来录制歌曲，而许多乡村音乐唱片使用华丽的管弦乐伴奏。乡村音乐对全国城市听众变得更能接受。风格不同的表演者如W.纳尔逊、W.詹宁斯、D.芭顿、R.特拉维斯、G.布鲁克斯、E.哈利斯和L.洛维特，使乡村音乐始终蓬勃发展。尽管乡村音乐吸收了其他流行风格，但它仍保持着美国少数真正本土音乐风格的鲜明特性。那时歌曲的内容，除了表现劳动生活之外，厌恶孤寂的流浪生活，向往温暖、安宁的家园，歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。在唱法上，起先多用民间本嗓演唱，形式多为独唱或小合唱，用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。 乡村音乐的曲调，一般都很流畅、动听，曲式结构也比较简单。多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。在服饰上也比较随意，即使是参加大赛及音乐厅重要场合演出，也不必穿演出服，牛仔裤、休闲装、皮草帽、旅游鞋都可以。乡村音乐的两个最重要的组成部分是弦乐伴奏(通常是吉他或是电吉他，还常常加上一把夏威夷吉他和小提琴)及歌手的声音。乡村音乐抛开了在流行乐中用得很广的“电子”声(效果器)。最重要的是，歌手的嗓音是乡村音乐的标志（民间本嗓），乡村音乐的歌手几乎总有美国南部的口音，至少会有乡村地区的口音。然而，与音乐本身同样重要的是音乐所包含的内容，而在这一点上，乡村音乐与流行乐、摇滚、说唱乐以及其他流派非常不一样。乡村音乐一般有八大主题：一、爱情；二、失恋；三、牛仔幽默；四、找乐；五、乡村生活方式；六、地区的骄傲；七、家庭；八、上帝与国家。前两个主题绝不是乡村音乐所独有的，但是后六大主题则把乡村音乐与其他的美国流行音乐流派区分开来。简而言之，乡村的人们有他们自己的幽默感；喜欢牛仔风格的疯玩；以一种与城市人很不同的方式生活；以自己所在的乡镇、州、地区为荣；极为重视家庭；不羞于表达宗教情感与爱国情感。在发展过程中，COUNTRY逐步发展为各种分支，诸如：西部摇摆（Western Swing），牛仔音乐（Cowboy），兰草音乐（Blue Grass）（一种精致的，纯正的，原汁原味的音乐，很容易辨识。折中音乐有两三部和声，激烈的节奏，不受约束的情感。这"孤独而高亢"的声音产生于20年代末的"弦乐运动"（String-band Movement），成名在来源于创始者Bill Monroe的乐队"兰草男孩"（The Blue Gass Boys），兰草音乐被Bonnie Clyde，The Beverly Hill billies在60年代末极力推动，赢得了一批全新的听众。今天，兰草音乐仍保持者极高的影响力，象著名乡村音乐人Alison Krauss就是一列。），纳什维尔之声（The Nashville Sound），新乡村音乐（New Country），Rockabilly（乡土摇滚）等等。

三十二：什么是INDIE
Indie 的称呼取自“independent”一词，被用在那些在音乐上坚持DIY（Do It Yourself）精神的乐队以及那些低预算的小厂牌所推出的唱片。尽管最大的Indie厂牌会与主流厂牌有销售方面的交易，但是这些Indie厂牌的对于音乐的Decision－Making还是拥有绝对的自主权，因此他们有更多的自由去发现那些不为主流听众所知的音响、乐感或是其他的富有情感的主题，然而另一方面他们推出的这些音乐也许并不会带来和其音乐品味成正比的收益（即使是Indie厂牌其实也想在商业上能够坚持，并不是为了音乐而全然放弃商业，这里可以看出Indie是一个相对的称呼）。
Indie Rock 深深植根于美国的地下音乐（American Undergroud）和80年代的另类摇滚（Alternative Rock）。

三十三：什么是Flamenco
Flamenco (佛朗明哥) 包含了三大艺术：歌、舞和吉他演奏，歌者以高亢的吟唱和越来越快的击掌为拍，激励舞者作出高难度的动作，舞者多半身着有绉折或流苏的服饰跺脚展臂起舞，有时候会打响板 (Castanets)，吉他演奏除了伴奏外也有不少独奏的机会，现代化的Flamenco受到爵士、蓝调、摇滚乐、New Age等的影响，增添了许多乐器，像是长笛、非洲手鼓和键盘等都加入其中。大约在十五世纪，由南部安达鲁西亚地区的吉普赛人，融合了犹太、阿拉伯和天主教音乐的元素而成型的Flamenco，十九世纪末开始成为大众娱乐主流，后来更由于作曲家Manuel de Falla (法雅)、古典吉他大师Andres Segovia (塞戈维亚) 和爱国诗人Frederico Garcia Lorca (罗卡) 的大力提倡而声势大盛。最常见的有Soleares (悲孤调) 和Siguiriyas(断续调），两者同为深沉歌曲 (Cante Jondo）的主力，另外像Bulerias (喧戏调) 、Saeta(箭调) 、Alegrias (欢愉调) 则较为活泼，许多地方还有各自的传统曲调。既然是融合了三种元素的艺术，因此在各个领域中也是人才辈出，以人声为例：已逝的西班牙国宝歌手Camaron de la Isla、少见的女歌手Carmen Linares、最成功的流行乐团Gypsy Kings和Ketama都颇具代表性，吉他方面更是不胜枚举：多产又富原创性的Paco de Lucia、旅居英国的老牌吉他手Paco Pena和双栖的吉他世家Pepe Romero等人的作品在此间最容易找得到；舞者方面目前最有名的应属性感偶像Joaquin Cortes，一位从国立芭蕾舞团回归的吉普赛男性，仅能在阿莫多瓦的电影中偶尔瞥见他的身影。

三十四：什么是Chanson
Chanson (香颂) 严格说起来并非世界音乐，但却由于法语的腔调和器乐伴奏营造的特殊氛围，成为世界音乐中的「显学」。从字面上来看，Chanson就是法语的「歌曲」，和英语的「Song」、德语的「Lied」毫无二致，拜唱片工业兴起之赐，现在大家最耳熟能详的Chanson，泛称十九世纪下半叶到五○年代，黄金巴黎时期的法语流行歌曲，充满了喜悦、浪漫、感伤、怀旧等的复杂情绪，在法国ACC唱片大奖、法国唱片协会大奖、法国新浪潮电影和左岸人文荟萃的推波助澜下，向全世界的有情人招手。听Chanson绝对少不掉「法国小麻雀」Edith Piaf的录音，这位活跃于二次大战前后的传奇女声，和继之而起的Juliette Greco前后呼应，在六○年代前成为捍卫法式风情的旗手，另一位男歌手Maurice Chevalier则是歌舞双栖的影星。近几十年来受到外籍移民和媒体开放的影响，Chanson也开始有了多面向的变化，拉丁美洲和北非节奏、美国Rap、Hip-Hop黑人音乐都渗入Chanson之中。战后的新派艺人Serge Gainsbourg、Jacques Brel、有「法国猫王」之称的Gilbert Becaud都是能写能唱的全才艺人，各有其独特风格，曾经数度前往台湾登台演出的女艺人Catherine Delasalle，目前有三张专辑在市面流通，可说是最为活跃的法语女歌手。

三十五：什么是JAZZ
爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良。19世纪初，法国人统治着新奥尔良。由于管理非常松散，许多非洲黑人从美国南方的奴隶主手下逃到新奥尔良享受"自由黑人"的身份。再因通婚自由，非洲黑人与法国人的结合出现了大量的混血黑人，克里奥尔人"。到了19世纪末，新奥尔良的居民中除了白人、黑人外，剩下的就是克里奥尔混血黑人。南北战争前，克里奥尔人享有与白人同样的地位，接受良好的教育，包括古典音乐教育。南北战争后，由于实施新的种族隔离法，迫使他们与黑人为伍。黑人的非洲音乐传统与克里奥尔人的古典音乐训练相结合，对爵士乐的产生起到了良好的作用。尽管现代的唱片界有时将爵士乐划分为传统爵士乐和现代爵士乐两类，其中传统爵士乐是指采用了4/4拍的行进性的管乐队演出相关工作的爵士乐，而现代爵士乐是指采用了贝斯演奏跳舞音乐的爵士乐。这种划分有时会显得毫无疑义，如果那这种标准来衡量，人们几乎无法判断肯尼·金是否比比赛希尔·泰勒的音乐更应属于现代爵士乐。其实传统和现代这两个相关的概念予以划分爵士乐的种类并不确切，这造成了一些既具现代风格又包含了传统风格的优秀作品无法分类的问题，因为爵士乐将近一百年的发展历程是连续不断的。

三十六：什么是POP
一种具有强烈节拍的现代流行音乐。一般认为，流行音乐有广义和狭义之分，这里的“波普”是指狭义的流行音乐，如 70、80年代著名歌手罗斯（Diana Ross）、里奇（Lionel Richie）、惠特妮·休斯顿（Whitney Houston）、麦当娜（Madonna）、迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）、普林斯（Prince）、珍妮特·杰克逊（Janet Jackson）等人演唱的很多歌曲。90年代诸如Backstreet,Westlife,'N Sync,Britney Spears.

三十七：什么是福音音乐
gospel music，源于19世纪五旬节派教会的礼拜仪式、灵歌和布鲁斯的美国黑人音乐形式。五旬节派教会牧师讲道的唱片在20世纪20年代的美国黑人中流传极广。五旬节派教会以《圣经》的教义“凡有气息的，都要赞美耶和华”(《旧约：诗篇》第150篇)为指导，欢迎人们把铃鼓、钢琴、班卓琴、吉他和其他弦乐器，甚至铜管乐器用于礼拜仪式之中，其合唱常以女声音域两端的声音为特征，与传教者的讲道作应答式的应对。福音音乐以即兴的朗诵式乐段、一字多音的唱法和过分的表现为特色，其他形式有：街道巡回传教士的歌唱与不用电扩音的吉他演奏、声音和谐的男声四重唱(演出时伴有舞蹈动作，身穿符合当时风尚的服装)等。主要的作曲家和演奏家有：多尔西，他最早使用这个名称；C.A.廷德利(1851～1933)牧师；失明的G.戴维斯(1896～1972)牧师；撒普修女，用她的演出在20世纪30年代把福音引进了夜总会和剧场；以及M.杰克逊。福音音乐对节奏与布鲁斯和灵乐有重要影响，这两种音乐又转而强烈地影响着当代的福音音乐。

三十八：什么是灵乐 [soul music]  
一种主要由黑人音乐家所表演及歌唱的美国大众音乐形式，其源于福音音乐及节奏与布鲁斯。此名称在20世纪60年代第一次被使用来描述熔节奏布鲁斯、福音、爵士乐、摇滚乐于一炉，以及强调感觉强度和朴实无华的音乐。最早，灵乐多见于美国南方各州，但是许多演唱它的年轻歌手移居到北部的城市。底特律车城唱片公司以及在孟菲斯市斯塔克斯-沃尔特公司的成立，大大鼓励了这种形式的音乐。最受欢迎的表演者包括J.布朗、R.查尔斯、S.库克以及A.富兰克林。

三十九：什么是灵歌 [spiritual]  
北美洲白人与黑人的民间音乐，一种用英语歌唱的民间赞美诗。白人灵歌来源多样，主要源于至少为17世纪中期“逐句吟唱”的圣歌。在会众不会读诗篇的地方，由一位领唱者带有音调地吟唱其词句，一次一行，会众每唱一行诗就换一个熟悉的音调；缓慢吟唱的曲调用经过音、回音和其他倚音加以装饰。另一个来源是颂唱赞美诗，设定为借来的旋律常借鉴世俗的民间曲调。野营布道会与奋兴运动的特征是自发性的群众歌唱，采用呼应的形式和修饰过的旋律。主题有“回到希望之乡”、“击败撒旦”、“战胜罪恶”；典型的叠句是“流吧，约旦河”和“荣耀哈利路亚”。这些歌曲在与外界隔绝的地区用口授的方法保存下来，也存在于使用(图形记谱赞美诗集歌曲中。黑人灵歌部分从白人的乡村民间赞美诗发展而来，但在音质、声音效果、节奏和节奏性伴奏类型方面大为不同。黑人灵歌不仅是宗教礼拜歌曲，也是劳动歌曲，常反映出具体的任务。和白人福音歌曲一样，现代黑人福音歌曲也起源于灵歌。

四十：什么是迪克西兰 [Dixieland]  
由一个小合奏组演奏的爵士乐，以集体和独自即兴表演为特色。最早的爵士乐合奏组产生于雷格泰姆爵士乐和新奥尔良的铜管乐团，加入了布鲁斯音乐元素。早期由K.奥利弗和J.-R.莫顿领导的爵士乐合奏组，由小号、短号演奏主旋律，单簧管、长号负责和声部分，独奏演员制造出的紧张和重叠句部分的淡释构成对比，加上与众不同的二拍节奏，赋予迪克西兰一种特色。不论是快节奏的歌曲或慢节奏的悲伤挽歌都常伴有欢乐的非谐音。迪克西兰乐队通常还使用班卓琴、大号和鼓等乐器。

四十一：什么是牧歌 [madrigal]  
室内乐的一种声乐形式，大多为无伴奏的复调音乐，流行于16～17世纪。起源于意大利，并在那里发展，深受法国尚松和意大利弗罗托拉的影响。通常牧歌是由三到六个声部来演唱，受过训练的男女歌手的演唱使牧歌广为流传。歌词内容几乎全与爱情有关。作品被谱曲的最杰出诗人有彼特拉克、塔索和B.瓜里尼等人。O.de拉索、L.马伦齐奥、C.杰苏阿尔多和C.蒙特威尔地是意大利最伟大的牧歌作曲家；T.莫利、T.威尔克斯、J.威尔比创作了优秀的英国牧歌。

四十二：什么是雷盖 [reggae]  
牙买加流行的一种音乐和舞蹈风格。起源于20世纪60年代中期穷困的牙买加人民，反映了对社会的不满以及拉斯塔法里教运动。它的配乐特点是以大音量的电子低音乐器为主，围绕着它有一组管风琴、钢琴、鼓以及加强节律的电吉他，演奏一些短小的固定音型，在弱拍上加以有规律的重音。雷盖在美国的流行是通过歌手吉米·克利夫主演的电影《爱的愈认真》(1973)、以及B.马利与哭泣者乐队、图茨与梅塔尔斯乐团的巡回演出。在白人摇滚乐手中也可以感受其影响。

四十三：什么是朋克摇滚乐 [punk rock]  
该词最初指20世纪60年代美国的车库乐队，他们的音乐后来成为一种独特的风格，与70年代在电台盛行的嬉皮风、软摇滚相抗衡。朋克摇滚乐源自反文化的摇滚乐，其艺人团体有“非法利益”和“伊吉(流行)与配角”，20世纪70年代中期由于P.史密斯和“雷蒙” 合唱团的艺术家，使朋克摇滚乐在纽约发展起来。它很快在伦敦扎下根来，出现了与众不同的“朋克”时尚，包括穗状的头发和褴褛的衣衫，风靡一时。主要的乐队有“性手枪”、“冲击”，在美国加利福尼亚州后来又出现了“X”、“黑旗”以及“死去的肯尼迪一家”等乐队。朋克摇滚乐以其充满挑衅的快节奏、刺耳的吉他夹杂突然的和弦变奏，以及弥漫虚无主义的歌词为显著特征。朋克摇滚乐的变体风格包括新浪潮(更趋流行化、通俗化)和硬核(以极快的速度演奏简短、刺耳的歌曲为特点)，后者的演唱一直延续到20世纪90年代。

四十四：什么是说唱乐 [rap]  
一种吟唱有节奏文字的音乐风格，常有音乐伴奏，主要的重点在于节拍。说唱乐最早出现在纽约市的黑人与拉丁美洲人社区，随着糖丘帮的《说唱者的欢乐》(1979)成为全国知名的曲风。它以稍带节奏的歌词吟唱奇克的迪斯科金曲并伴有贝斯演奏。在20世纪80年代初期，霹雳舞更助长了说唱乐的流行，当时的著名艺人包括K.布洛、“大师弗莱什和疯狂五人组”、“Run-DMC”、“LL酷J”与“人民公敌”。80年代末则出现了“帮派说唱音乐”，充满了厌恶女性的歌词，更赞扬毒品与暴力。这种趋势在1996～1997年因为T.沙库尔和“恶名昭彰的B.I.G”两位说唱乐歌手的被杀而达到高峰。近年的知名说唱艺人则有“大师P”与柯姆。如今说唱乐也有广大的白人乐迷，因此发展的热度仍然持续上升。

四十五：什么是迪斯科 [disco]  
20世纪70年代中期兴起的舞蹈音乐风格，以催眠的节奏、重复的歌词，以及电子产生的音响为特色。其名为discotheque的缩写，主要由纽约地下夜总会演变而来。在夜总会里，唱片音乐节目主持人(DJ)会数小时连续不断地放舞蹈唱片，所以一定要让节拍做到同步，这样换唱片时就可以做到天衣无缝。重要的艺人D.萨默、“时髦”和“比吉斯”创造了许多畅销曲，随着电影《周末的狂热》(1977)的上演达到另一高峰。1980年后迪斯科迅速没落，但对流行音乐仍有影响，特别是它连续的电子节拍。

四十六：什么是布鲁斯 [blues]
一种世俗的音乐形式，将重复的和声结构及对音阶中降音或“蓝色”的第三音和第七音的强调相结合。布鲁斯的具体起源不清，但以前的奴隶音乐元素包括了呼应模式以及灵歌和劳动歌曲的切分旋律。20世纪初布鲁斯的结构开始定型，最常用的是12小节曲式，使用大音阶中的第一、第四和第五度和弦。最初起源于人的歌声，乐器演奏者用“压弦滑奏”的音调来模仿人声。通常采用三行诗节，第二行的歌词一般都是重复第一行的。来自得克萨斯州和密西西比三角洲的农村布鲁斯的精致建立了抒情歌唱和乐器演奏的传统，其特点往往是像说话似的变化音调，并加上吉他的伴奏。汉迪的作曲将布鲁斯元素带入了20世纪头10年的流行音乐中。20世纪20年代初歌手M.雷尼和B.史密斯录制了第一批布鲁斯唱片，用爵士乐伴奏，她们的演唱风格就成为古典布鲁斯风格。布鲁斯的高度个性化诠释和即兴表演结合了它的结构和变调要素，成为爵士乐、节奏与布鲁斯、摇滚乐的基础。

四十七：什么是蓝草音乐 [bluegrass]  
第二次世界大战后在美国出现的一种乡村和西部音乐风格，直接从诸如卡特家族等弦乐团的音乐发展而来。蓝草音乐与其前身不同的是具有更强烈的切分节奏、更高的男高音领唱、更紧凑的和弦、有驱动力的节奏，以及受爵士乐、布鲁斯的强烈影响。他们非常重视班卓琴，总是以独特的三指风格演奏，这种风格是从斯克鲁格斯发展而来的。曼多林和提琴也是一大特色，传统的方阵舞曲、宗教歌曲和民谣在曲目中占有很大的比例。蓝草风格为B.门罗及其“蓝草男孩”乐团所创。从20世纪40年代末期开始，其知名度不断提升；70年代起，有一批更年轻的音乐人加入，带来了摇滚乐风。（c.f COUNTRY MUSIC)

四十八：什么是雅乐 [gagaku]  
日本传统的宫廷和宗教音乐。最早于5世纪由高丽传入，8世纪成为约定俗成的宫廷传统。虽然自12世纪以前的乐谱很少留存下来，但大部分后来的音乐体裁都保存在神道教的祭典仪式中。雅乐使用的乐器有横笛、筚篥、排箭、锣以及琵琶和古筝等弦乐器。可能伴随舞蹈(舞乐)或单独演奏(管弦乐)。有时更被划为唐乐，又称“左方音乐”，或当作高丽乐，又称“右方音乐”。

四十九：什么是摇滚乐 [rock music]  
又称rock and roll。
在美国兴起的音乐风格，从20世纪50年代中期开始出现最后成为全世界流行音乐的主流。虽然摇滚乐使用许多不同乐器，但基本的配备是一个或多个歌手，一把扩音电吉他以及鼓。一开始的形式很简单，以强烈的、舞蹈的节奏，不复杂的旋律和和弦，以及抒情轻快的和声反映听众关心的主题——年轻的爱情，青春期的压力，汽车。摇滚的起源基本上是节奏与布鲁斯，在较小程度上是乡村音乐或其他音乐风格；不论是节奏布鲁斯或乡村音乐20世纪50年代初期过后就不再是流行音乐的主流，在克利夫兰的唱片节目广播员A.弗里德(1921～1965)推出结合节奏与布鲁斯的音乐节目以前，这个音乐基本上只演奏给黑人听众聆听。他的音乐表演的成功，使他用以称呼(不是发明)他的音乐摇滚乐这一名词流行起来。1955～1956年间由C.贝里、A.哈利和他的彗星乐团，特别是E.普雷斯利拨动了表演的快节奏，情绪高昂的音乐在美国战后一代生活优裕青少年中间掀起狂波巨澜，成为一个庞大的行业。60年代，在多种影响的综合之下使已经衰落到呆板乏味的摇滚乐重又兴起。在英国，摇滚乐发展得比较晚，当甲壳虫乐队和滚石乐队以他们早期的新鲜风格在美国获得巨大反响之际，英国成长中的新世代浑然不知新的巨星已经诞生。同时，B.迪伦和其他美国歌手也发展出民谣摇滚，一种结合摇滚、传统民谣和诗的音乐，年轻的音乐人开始触及政治与社会问题。如鸟乐队、杰斐逊飞机以及门乐队(参阅莫里森[Morrison, Jim])以抒情曲风加上精湛技巧，其典型特色是大段的即兴独奏，还有J.乔普林以及J.亨德里克斯在传统的节奏布鲁斯中融入精心设计的异国风味都带动了许多跟随者。70年代早期出现能写能唱的歌手如E.约翰、D.鲍伊以及B.斯普林斯汀，摇滚乐进一步吸收其他音乐风格而有流行摇滚，爵士摇滚以及朋克摇滚乐的诞生。80年代，音乐录像带的出现使摇滚乐更完备，每一支流行单曲都拍摄了音乐录像带。

五十：什么是交响曲 [symphony]  
为管弦乐队写作的大型乐曲，通常由几个乐章组成。其名称在原古希腊语中为“数音同时和鸣”之意；在早期的意大利歌剧中是指器乐间奏，尤其是前奏的专门用语。在17世纪后期那不勒斯歌剧的前奏曲中，尤其是1780年前后A.斯卡拉蒂的作品中，已经具有快—慢—快3个乐章的固定形式。很快，这类前奏曲在音乐会上被用于单独演奏，就好像交响曲的另一个前身大协奏曲那样。到18世纪初期，这类前奏曲和协奏曲已经在G.B.萨马尔蒂尼的交响曲中被合并起来。1750年左右，德国和维也纳的作曲家们开始加上一个小步舞曲乐章。有“交响乐之父”之称的海顿在1755～1795年写了超过100部交响曲，充满创意、激情和辉煌。从海顿开始，交响曲已被视为最重要的管弦乐作品。莫扎特写有35部富有创意的交响曲。贝多芬的9部交响曲注入了作曲家的气魄与雄心。此后重要的交响曲作曲家有：舒伯特、门德尔松、舒曼、布鲁克纳、勃拉姆斯、德沃夏克、柴可夫斯基和马勒。20世纪的后起之秀有：沃恩·威廉斯、西贝柳斯和肖斯塔科维奇。

五十一：什么是协奏曲 [concerto]  
一种器乐作品，其中的独奏乐器在管弦乐合奏的衬托下得以突出。其前身是大协奏曲。1698年G.托雷利的小提琴协奏曲是已知最早的独奏协奏曲。A.维瓦尔第是首位重要的协奏曲作曲家，写了大约350首独奏曲，大部分是为小提琴而作的。J.S.巴赫写了第一首键盘乐协奏曲。从古典时期起，协奏曲几乎都是为钢琴而作，其次是小提琴和大提琴。莫扎特写了27首钢琴协奏曲；L.V.贝多芬写了5首；F.门德尔松、肖邦、李斯特及勃拉姆斯各写了2首。协奏曲最初几乎都包含快—慢—快3个乐章，通常旨在显示独奏者的精湛技巧，尤其是在第一和第三两个乐章接近末尾时的无伴奏、即兴发挥的装饰乐段。19～20世纪的协奏曲中独奏乐器往往与管弦乐或器乐重奏形成对比。

五十二：什么是幻想曲 [fantasia]  
一种在曲式上不拘一格，凭灵感自由发挥的音乐作品，通常供独奏用。大部分的幻想曲试图传达即席演奏的印象。第一批幻想曲是意大利鲁特琴(古琵琶)作品(约1530)。16世纪末，键盘乐幻想曲变得十分普遍，17～18世纪在英国、德国和法国风行管风琴和大键琴幻想曲。幻想曲的特色是开头通常是赋格曲式、模仿的结构，有时觉得十分深奥，还经常以流畅的段落和大量半音和弦乐的自由旋律形式交替出现。另外大合奏幻想曲也多有创作。重要的作曲家包括J.P.斯韦林克、G.弗雷斯科巴尔第、J.J.弗洛贝格、H.普赛尔和J.S.巴赫。

PART 2 常用音乐术语
一： 套曲Cycle
一种由多乐章组合而成的大型器乐曲或声乐器
　
二： 组曲Suite
由几个具有相对独立性的器乐曲组成的乐曲

三： 奏鸣曲Sonata
指类似组曲的器乐合奏套曲.自海顿.莫扎特以后,其指由3-4个乐章组成的器乐独奏套曲(钢琴奏鸣曲)或独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲(小提琴奏鸣曲)
　
四： 交响曲symphony
大型管弦乐套曲,通常含四个乐章.其乐章结构与独奏的奏鸣曲相同
　
五： 协奏曲concerto
由一件或多件独奏乐器与管弦乐团相互竞奏,并显示其个性及技巧的大型器乐套曲.分独奏协奏曲、大协奏曲、小协奏曲等
　
六： 交响诗symphonic poem
单乐章的标题****响音乐
　
七： 音诗poeme
单乐章管弦乐曲，与交响诗相类似
　
八： 序曲overture
歌剧、清唱剧、舞剧、其他戏剧作品和声乐、器乐套曲的开始曲。十九世纪又出现独立的音乐会序曲
　
九： 前奏曲prelude
带有即兴曲的性质、有独立的乐思、常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引的中、小型器乐曲。
　
十： 托卡塔toccata
节奏紧凑、快速触键的富有自由即兴性的键盘乐曲
　
十一：幻想曲fantasia
形式自由，给人以即兴创作或自由幻想之感的器乐曲
　
十二：随想曲capriccio
形式自由的赋格式的幻想曲，19世纪后是一种富于幻想的即兴性器乐曲
　
十三：狂想曲rhapsody
始于19世纪初以民族或民间曲调为主要素材的具有鲜明民族特色的器乐幻想曲
　
十四：练习曲study
为提高乐器演奏者技术水平而写的乐曲
　
十五：无词歌songs wighout
抒情的小型器乐曲，有伴奏声部，旋律声部象歌曲样的钢琴曲
　
十六：浪漫曲Romance
罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲
　
十七：叙事曲ballade
富于叙事性、戏剧性的钢琴独奏曲
　
十八：夜曲nocturne
流行于18世纪西洋贵族社会中的器乐套曲，常在夜间露天演奏
　
十九：小夜曲serenade
晨歌的对称。起源于中世纪欧洲吟唱诗人在恋人窗前所唱的情歌
　
二十：谐谑曲scherzo
诙谐曲。节奏强烈，速度较快、轻松活泼的三拍子器乐曲或声乐曲
　
二十一：间奏曲intermezzo
为歌剧或戏剧中的过场音乐或幕间曲；另一种为形式较自由篇幅较小的器乐曲
　
二十二：赋格曲fugue
拉丁文音译意为遁走。以复调手法写成的大型乐曲
　
二十三：卡农canon
纯以模仿手法构成的复调音乐形式
　
二十四：轮唱曲round
用同度或八度卡农手法写成的声乐曲
　
二十五：创意曲invention
复调结构的钢琴小曲。类似前奏曲或小赋格曲。巴赫始用此名称
　
二十六：练声曲vocalization
没有歌词而用韵母、音节或唱名演唱的声乐练习曲
　
二十七：回旋曲rondo
由相同的主部和几个不同的插部交替出现而构成的乐曲
　
二十八：变奏曲variation
主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲
　
二十九：进行曲march
用步伐节奏写成的乐曲
　
三十：特性曲character piece
指富于诗情画意和生活情趣的器乐小曲，主要是钢琴小曲
　
三十一：晨歌alborada
起源于西班牙西北部的加利西亚的田园风味乐曲
　
三十二：田园曲pastorable
原为欧洲16-17世纪一种乡村题材的戏剧表演，歌剧的前身之一。近代音乐中是模仿牧人所吹肖姆管曲调和圣诞吹奏乐的器乐曲或声乐曲，源于意大利。
　
三十三：船歌barcarolle
威尼斯船工所唱的歌曲以及模仿这种歌曲的声乐曲和器乐曲
　
三十四：悲歌elegy
表现哀伤情绪的声乐曲或器乐曲
　
三十五：摇篮曲berceuse
抒情声乐曲或器乐曲。描写摇篮摆动的节奏，近似船歌。
　
三十六：嬉游曲divertimento
18世纪欢娱宾客的一种器乐重奏组曲
　
三十七：即兴曲impromptu
偶发创作的抒情特性曲，19世纪成为器乐短曲曲名，形式类似歌曲
　
三十八：无穷动perpetuum mobile
从头至尾贯穿着急速节奏的乐曲
　
三十九：小品bagatelle
轻快，幽默的特性曲，常为钢琴小曲
　
四十：幽默曲humoreske
富于幽默风趣或表现恬淡朴素、明朗愉快情致的器乐曲
　
四十一：新事曲novellette
始创于R.舒曼的一种钢琴特性曲
　
四十二：演绎曲paraphrase
14--16世纪教会音乐中的演绎曲是自由加工的素歌旋律。F.李斯特借用此名称称其为著名声乐曲和器乐曲，特别是为歌剧选曲所作的钢琴改编曲为演绎曲
　
四十三：舞曲dance music
根据舞蹈节奏写成的器乐曲或声乐曲
　
四十四：小步舞曲menuet
起源于法国民间的三拍子舞曲，因舞步极小而得名
　
四十五：加沃特gavotte
起源于法国民间的中速、四拍子舞曲
　
四十六：塔兰泰拉tarantella
起源于意大利的速度迅急、情绪热烈的舞曲
　
四十七：波尔卡polka
起源于捷克的速度较快的二拍子舞曲
　
四十八：华尔兹waltz
圆舞曲。一种起源于奥地利民间的三拍子舞曲。
　
四十九：马祖卡mazurka
起源于波兰民间的情绪活泼热烈的三拍子双人舞曲
　
五十：波罗乃兹polonaise
波兰舞曲。起源于波兰民间的庄重，缓慢的三拍子舞曲
　
五十一：哈巴涅拉habanera
阿伐奈拉。由非洲黑人传入古巴的中速二拍子舞曲
　
五十二：探戈tango
起源非洲后传入阿根廷的中速、二拍子或四拍子的舞曲
　
五十三：独唱solo
由一人演唱，常用乐器或乐队伴奏的演唱形式，有时也用人声伴唱
　
五十四：齐唱unison
两人以上的歌唱者，按同度或八度音程关系同时演唱同一旋律的演唱形式
　
五十五：重唱ensemble
每个声部均由一人演唱的多声部声乐曲及演唱形式。按声部或人数分二重唱、三重唱、四重唱
　
五十六：领唱lead a chorus
由一人唱众人和的演唱形式
　
五十七：合唱chorus
两组以上的演唱者，各按本组所担任的声部演唱同一乐曲的演唱形式
　
五十八：无伴奏合唱a cappella
纯粹由人声演唱不用乐器伴奏的合唱形式
　
五十九：合奏ensemble
由多种乐器组成，常按乐器种类的不同而分为若干组，各组分别担任某些声部，演奏同一乐曲的演奏形式
　
六十：伴奏accompaniment
由一件或多件乐器奏出，用以衬托主要的歌唱或器乐演奏部分。用以烘托舞蹈的器乐配乐也常称为伴奏
　
六十一：独奏solo
由一人演奏某一乐器，常用其他乐器或乐队伴奏
　
六十二：齐奏unison
两个以上的演奏者，按同度或八度音程关系同时演奏同一曲调
　
六十三：室内乐chamber music
通常指由少数人演奏，演唱的重奏曲、重唱曲。
　
六十四：二重奏Duet
由两件乐器分奏两个声部的室内乐
　
六十五：三重奏Trio
由三件乐器分奏三个声部的室内乐
　
六十六：弦乐三重奏string trio
由小提琴、中提琴、大提琴分奏三个声部的室内乐
　
六十七：钢琴三重奏piano trio
由钢琴与另两件乐器（弦乐器或管乐器）演奏的室内乐
　
六十八：四重奏quartet
由四件乐器分奏四个声部的室内乐
　
六十九：弦乐四重奏string quartet
由两个小提琴，一个中提琴、一个大提琴演奏的室内乐
　
七十：钢琴四重奏piano quartet
由小提琴、中提琴、大提琴、钢琴演奏的室内乐


PART 3 关于数字音乐

一，有损压缩
——MP3（MP3PRO\MP3SURROUND）、AAC（*.3gp/*.mp4/*.m4v）、ATRAC3/ATRAC3+（*.aa3）。
　　先来明白音频压缩的原理：利用人耳听觉的心理声学特性（频谱掩蔽特性和时间掩蔽特性等）以及人耳对信号幅度、频率、时间的有限分辨能力，编码时凡是人耳感觉不到的频率不编码、不传送，即凡是对人耳辨别声音信号的强度、声调、方位没有贡献的部分（称为不相关部分或无关部分）都不编码和传送。对感觉不到的部分进行编码时，允许有较大的量化失真、并使其处于听阈（即人耳所能听到的最低音量）以下，人耳仍然感觉不到。音频的压缩就是利用这些特点来工作的。
　　心理声学的几个基本概念
　　1、等响度曲线
　　人的听觉的灵敏度随着频率而改变。即通常两个功率一样但频率不同的音调听起来并不一样响。通过等响度曲线，我们可以看出，人耳对４ＫＨｚ的频率最灵敏，即在４ＫＨｚ下能被察觉出来的声音压力水平（响度），在其他频率下并不能被察觉。这就给在一些不太灵敏的频率下失真提供了条件。
　　2、屏蔽
　　我们上高中物理时学过屏蔽。就是强的声音信号把弱的声音信号覆盖，导致我们无法察觉。而且，当两个声音在时间和频率上很接近时，屏蔽效应就会很强。因此，我们可以在编码时对被屏蔽的部分不编码、不传送。这样，音质依然没有大的损失，人耳也不易察觉。
　　3、临界频带
　　对于人类的听觉来说，对声音的感知特性并不是以线形频率为尺度来变化的（人的听觉还没那么好），而是可以用被称为临界频带的一系列有限的频段来表达。简单的说，把整个频带划分成几段，在这每个频段里，人耳的听觉感知是相同的，即心理声学特性都是一样的。
　　言归正传，编码的精髓就是算法。
　　主流编码及其算法
　　1、MP3(MP3PRO\MP3SURROUND)
　　MP3应该算目前应用最广泛的有损压缩数字音频格式了。它的全称是MPEG（MovingPictureExpertsGroup）AudioLayer-3。1987年德国Fraunhofer研究院研制成功的一种有损压缩数字音频格式，并于1989年取得专利。起初，它并不完善，它更像一个编码标准框架，留待人们去完善。1992年，这一技术并入了MPEG规范，并有了正式名号——MP3。
　　MP3文件是由帧(frame)构成的，帧是MP3文件最小的组成单位。什么是帧?还记得最初的动画是怎么做的吗?不同的连续画面切换以达到动态效果，每幅画面就是一个“帧”，不同的是MP3里面的帧记录的是音频数据而不是图形数据。MP3的帧速度大概是30帧/秒。
　　每个帧又由帧头和帧数据组成，帧头记录着该帧的基本信息，包括位率索引和采样率索引(这对理解ABR和VBR编码方式很重要)。帧数据，顾名思义就是记录着主体音频数据。
　　上面说的都是MP3编码的基础，但事实上，早期的编码器都非常不完善，压缩算法近于粗暴，音质很不理想。MP3的音质达到现在的水平有两次飞跃:人体听觉心理学模型(PerceptualModel)的导入和VBR技术的应用。
　　PS：VBR是variablebitrate的缩写，意思是可变比率，就是MP3文件压制的时候声音元素较多，比率较高时，将自动减低压缩比特率，在比特率需求比较低时自动升高比特率，这样做的目的是在保证音质基本不被损害的情况下增加文件在线播放时的速度，和减少在本机播放时所占的系统资源……这是Xing发展的算法，他们将一首歌的复杂部分用高Bitrate编码，简单部分用低Bitrate编码。主意虽然不错，可惜Xing编码器的VBR算法很差，音质与CBR相去甚远。幸运的是，Lame完美地优化了VBR算法，使之成为MP3的最佳编码模式。这是以质量为前提兼顾文件大小的方式，推荐编码模式。
　　MP3能生存到今天，它的发展仍未止步。2001年6月14日，法国汤姆森与美国RCA两家公司联合推出了一种新的压缩格式：MP3PRO。MP3PRO是基于MP3技术改良而来，它利用了CodingTechnologies公司开发的编解码增强技术，该术称为SBR(SpectralBandReplication)。当制作MP3PRO文件时，编码器将音频分为两部分。一部分是将音频数据中的低频部分分离出来，通过传统的MP3技术编码得出正常的MP3音频流。此举使MP3编码器专注于低频段信号的压缩从而获得更好的质量，而且使原来的MP3播放器也能播放MP3PRO文件。另一部分则是将分离出来的高频信号进行编码并嵌入MP3流中。传统的MP3播放器会将其忽略掉，而新的MP3PRO播放器会将其还原出来并进行组合，得到高质量的全带宽的声音。通过这项技术，使得MP3PRO64Kbps的编码率便可提供128Kbps的MP3相同的质量，且具有相差无几的音质，而体积只有MP3的一半大小。
　　PSP就支持MP3PRO，而且支持MP3PRO的格式转换软件也很多，大家可以去网上找找。有兴趣的话可以试试，绝对比mp3强啊。
　　Thomson在2004年12月初正式宣布世界上最流行的音乐压缩格式MP3迈进多声道时代。MP3SURROUND是由FraunhoferIIS和Agere联合开发的，使用了binauralCueCoding（BCC）技术心理声学编码，可以在实现多声道环绕的同时保证文件的大小。同时加入的AgereSystems公司则主要负责将多声道MP3格式——MP3SURROUND进行推广。MP3SURROUND技术实现了5.1声道环绕的高品质音频，应用范围相当广泛，可以在网络音乐发布、广播系统、PC视听应用、游戏音效、消费电子产品和车载音响等方面发挥作用。尽管集成了多个声道，但是Thomson表示MP3SURROUND文件相对于普通MP3（采样率相当）并没有太大的增加，相对于其他环绕多声道音频格式就只有它们的一半了。更为重要的，MP3SURROUND提供了良好的兼容性，可以在现有的MP3软件、MP3播放器上正常使用。
　　目前网上出现了MP3SURROUND的专门网站（http://www.mp3surround-format.com），大家从这里可以下载到MP3SURROUND的解码/编码工具以及已经做好的MP3文件，对MP3SURROUND有兴趣的朋友还可以下载到技术文档。psp2.80支持7.1声道，2.80的玩家不妨体验一下MP3SURROUND的魅力！
　　2、AAC（*.3gp/*.mp4/*.m4v）
　　AAC是高级音频编码（AdvancedAudioCoding）的缩写，它是由Fraunhofer研究院、杜比和AT&T共同研发的。AAC是MPEG-2规范的一部分，它适用于从速率8Kbps的单声道电话音质到160Kbps多声道的超高质量音频范围内的编码。AAC与MP3相比，增加了诸如对立体声的完美再现、码流效果音扫描、多媒体控制、降噪优化等MP3音频格式所没有的特性，使得在音频压缩后仍能完美地再现CD音质。它还同时支持多达48个音轨、15个低频音轨、更多种采样率和比特率、多种语言的兼容性、更高的解码效率。总之，AAC可以在比MP3文件缩小30%的前提下提供更好的音质。
　　现将其中的几个模块作一些说明：
　　增益控制(Gaincontrol)
　　增益控制模块用在可变采样率配置中，它由多相正交滤波器PQF(polyphasequadraturefilter)、增益检测器(gaindetector)和增益修正器(gainmodifier)组成。这个模块把输入信号分离到4个相等带宽的频带中。在解码器中也有增益控制模块，通过忽略PQF的高子带信号获得低采样率输出信号。
　　滤波器组(FilterBank)
　　滤波器组是把输入信号从时域变换到频域的转换模块，它是MPEG-2AAC系统的基本模块。这个模块采用了改进离散余弦变换MDCT，它是一种线性正交交迭变换，使用了一种称为时域混迭取消TDAC(timedomainaliasingcancellation)技术。MDCT使用KBD(Kaiser-Besselderived)窗口或者使用正弦(sine)窗口，正向MDCT变换可使用下式表示：
　　逆向MDCT变换可使用下式表示：
　　其中，
　　n＝样本号，
　　N＝变换块长度，
　　i=块号，
　　以上两个离散余弦变换公式在《离散函数》和《数理方程》中有详细介绍，只为帮助有兴趣的玩家了解，不必深究。
　　瞬时噪声定形TNS
　　在感知声音编码中，TNS模块是用来控制量化噪声的瞬时形状的一种方法，解决掩蔽阈值和量化噪声的错误匹配问题。这种技术的基本想法是，在时域中的音调声信号在频域中有一个瞬时尖峰，TNS使用这种双重性来扩展已知的预测编码技术，把量化噪声置于实际的信号之下以避免错误匹配。
　　联合立体声编码
　　联合立体声编码(jointstereocoding)是一种空间编码技术，其目的是为了去掉空间的冗余信息。MPEG-2AAC系统包含两种空间编码技术：M/S编码(Mid/Sideencoding)和声强/耦合(Intensity/Coupling)。M/S编码使用矩阵运算，因此把M/S编码称为矩阵立体声编码(matrixedstereocoding)。M/S编码不传送左右声道信号，而是使用标称化的“和”信号与“差”信号，前者用于中央M(middle)声道，后者用于边S(side)声道，因此M/S编码也叫做“和-差编码(sum-differencecoding)”。声强/耦合编码的名称也很多，有的叫做声强立体声编码(intensitystereocoding)，或者叫做声道耦合编码(channelcouplingcoding)，它们探索的基本问题是声道间的不相关性(irrelevance)。
　　预测(Prediction)
　　这是在话音编码系统中普遍使用的一种技术，它主要用来减少平稳(stationary)信号的冗余度。
　　量化器(Quantizer)
　　使用了非均匀量化器。
　　无噪声编码(Noiselesscoding)
　　无噪声编码实际上就是霍夫曼编码，它对被量化的谱系数、比例因子和方向信息进行编码。
　　3、ATRAC3/ATRAC3+（*.aa3）
　　早年玩MD的朋友都知道SONY专为MD量身定做的ATRAC音频格式算法，后来又广泛应用于SONY的NetworkWalkman和其他便携音频设备。“ATRAC3plus”代表“自适应转换声音编码3+”,是一套基于心理声学原理的音频压缩技术，从ATRAC3格式发展而来，到2002年这项技术才日趋完美。这一技术是把MD随身听的体积缩小到很小的理论基础。
　　要分析ATRAC3/ATRAC3+，我们先要谈谈它的大哥——ATRAC算法。当数字音频数据被压缩时，通常都会把一定数量的量化噪音带入信号。为了不让这些信号被人耳感知，通常的做法是，音频编码把信号分解为一组单元，每组单元都对应着特定的时间频率范围。编码器会依据前文提到的心理声学原理来分析，对重要的单元进行高精度编码，对不敏感的单元可以保留一些量化的噪音但不影响人耳的感知质量。解码时，量化频谱会根据比特分配重新建立，然后合成音频信号。
　　ATRAC也不例外，但有一些改进。ATRAC还应用了子频带译码和转换译码技术，输入的信号被分配得到不均匀的强调重要低音区的频率分割。另外，ATRAC使用一个可变块长度改变输入的信号，这可以确保在稳定通过时高效的译码，不会在瞬间通过时影响时间的分辨率。具体说，输入的信号在5.5125KHz和11.025KHz被分为3个频带。子频带的分解使用QMF(QuadratureMirrorFilters积分映射过滤器)来完成；这3个频带被MDCT（ModifiedDiscreteCosineTransform变址离散余弦变换——类似于通常的快速傅里叶变换，《高等数学二》和《数理方程》中有相关介绍。）转换成频谱值，MDCT允许块之间有达50%的交迭，使得在维持临界采样时能提高频率解析度。块的长度可以根据信号的种类改变，这就是ATRAC的自适应部分（这一做法主要是为了利用屏蔽掩盖初始量化噪音）。
　　当ATRAC算法发展了10年，已经满足不了市场的需求，SONY于2002年8月推出了新的算法——
　　ATRAC3/ATRAC3+。其核心算法较ATRAC没有本质的大改变，只是采用了改进的频带分离过滤和MDCT，并使用增益调节、音调成分分离、联合立体声（Joint-Stereo）等技术，使得音频压缩数据的体积进一步缩小。
　　4、AAL（ATRACAdvancedLossless）
　　AAL是ATRACAdvancedLossless（自适应声学转换高级无损编码）的缩写，是SONY新开发的一个音频压缩格式其特点是无损压缩，不损失一点音频信息，一张CD可以压缩到原来的30%--80%




[ 本帖最后由 vicysunnie 于 2008-6-5 10:41 编辑 ]

自己继续整理，不能老是CTRL+C.

呵呵，字体颜色有点……
期待改进，加油o(∩_∩)o...

好理论的东西。。。。。。

PART 4 音频载体CD
CD代表小型镭射盘，是一个用于所有CD媒体格式的一般术语。现在市场上有的CD格式包括声频CD，CD-ROM，CD-ROM XA，照片CD，CD-I和视频CD等等。在这多样的CD格式中，最为人们熟悉的一个或许是声频CD，它是一个用于存储声音信号轨道如音乐和歌的标准CD格式。CD数字声频信号(CDDA)是由Sony和Philip在1980年期间作为音乐传播的一个形式来介绍的。因为声频CD的巨大成功，今天这种媒体的用途已经扩大到进行数据储存，目的是数据存档和传递。和各种传统数据储存的媒体如软盘和录音带相比，CD是最适于储存大数量的数据，它可能是任何形式或组合的计算机文件、声频信号数据、照片映像文件，软件应用程序和视频数据。
CD-R、CD-RW光盘按表面涂层的不同，可以分为以下几种：
（1)绿盘

      由Taiyo Yuden公司研发，原材料为Cyanine(青色素)，保存年限为75年，这是最早开发的标准，兼容性最为出色，制造商有Taiyo Yuden、TDK、Ricoh(理光)、Mitsubishi(三菱)。

（2)蓝盘

      由Verbatim公司研发，原材料为Azo(偶氮)，在银质反射层的反光下，你会看见水蓝色的盘面，存储时间为100年，制造商有Verbatim和Mitsubishi。

(3)金盘

      由Mitsui Toatsu公司研发，原材料为Phthalocyanine(酞菁)，抗光性强，存储时间长达100年，制造商有Mitsui Toatsu、Kodak(柯达)。

(4)紫盘(CD-RW)

      它采用特殊材料制成，只有类似紫玻璃的一种颜色。CD-RW以相变式技术来生产结晶和非结晶状态，分别表示0和1，并可以多次写入，也称为可复写光盘。

LPCD到底是什么呢？
很多网站一些乐友讨论说看了半天还搞不太清楚。简单的讲，除了LPCD母带制作、碟片制作基本上是用以上所述的三个重点去制作之外，最后压制成最高等级的LPCD45系列，简单的说就是以损失最少的方式，直接从母带直接转成CDR，每张LPCD的制作其实就是直接以制作母盘来做成CDR，以录音室规格来说，LPCD45系列以一般唱片公司的录音室制作要压制CD前的母盘CDR流程，也就是说LPCD45系列就是一般唱片公司要去制作CD前的母盘CDR。

一般唱片公司是拿CDR母盘再去做母盘CDR--玻璃母模--金属母模--压碟--CD之动作，而雨果的LPCD45系列就是让发烧友直接拿母盘CDR来聆听音乐。其录音品质表现之优秀，和一般CD相差之多可想而知。这方法以前Philips 24Bit FORMAT系列有近似的理想，但没有完全实现，但雨果易老板竟然完成这商业立场上几乎不可能的理想，光此成就，就值得在唱片销售史上留下一笔。而 LPCD的规格分为 LPCD 33及 LPCD 45两种，前者是经特别处理的CD，后者则是母带直刻的CD，其中LPCD33系列是特殊加工处理的CD产品，据称LPCD33系列已超越了XRCD和HDCD了，LPCD45则是雨果认为录音水准最顶峰的产品，也是CDR母盘规格最高的，目前LPCD45系列里面都有二张CD，一张是正常的CD版本，一张是读取层深绿的最高规格CDR版。而且LPCD特别在CD边缘以特别工法处理封边，并经过精细打磨，边缘特别平滑。这样的好处是：所以在CD读取时雷射光散射更少，使雷射头读取时的精确度更高，以发烧友绝对标准来说，LPCD45当然是胜过LPCD33。

PART 5 杜比、DTS、PCM、A-C3、THX、SDDS音效全接触

在一般人的印象中, 总觉得Dolby Digital（杜比数码音效）应该就是多声道, 或者说, 应该是包含主声道、中央声道、后声道与超低音声道的5.1声道环绕音效, 但事实却非如此.录制在DVD影片中的Dolby Digital音效, 存在许多可能. 它可以是最简化的单声道, 也可以是众所周知的5.1声道, 当然也有介于两者之间的Dolby Digital Stereo、Dolby Digital 4.0BDolby Digital 5.0……等方式. 在此必须补充一提的, 是DVD中的声音储存方式, 除了Dolby Digital外, 也可以是DTS数码环绕音效、欧洲的MPEG 2、?SONY发展的SDDS, 或以高音质立体声为诉求的PCM数码格式等, 但目前DVD主要还是利用Dolby Digital来记录声音, 营造丰富的环绕效果.

　　下面就是几种可能在DVD上出现的Dolby Digital格式, 让我们一一解说:

　　1. Dolby Digital Mono: 杜比数码单声道音效只有单声道的效果, 并不足以构成立体声, 多半出现在较为古老的影片中. 在影片制作时, 会将单声道的声音储存为AC-3格式, 因此当以杜比数码系统译码播放时, 只有中间声道发声. 这样的音质表现, 无疑是比较单调乏味的, 因为连基本的立体感都十分欠缺, 更遑论环绕效果.

　　2. Dolby Digital Stereo : 杜比数码双声道音效将双声道的立体讯号储存为AC-3格式, 因此当以杜比数码系统译码播放时, 可以从主声道的左右声道喇叭发声. 这其实与我们常见的两声道系统（一般音响都是如此）有相当程度的趋近, 可以建构立体的音场感, 只不过Dolby Digital的声音是经过压缩处理的, 多少对音质有些影响, 而CD唱片则未经过压缩, 拥有高音质的潜力.

　　3. Dobly Digital Surround : 杜比数码环绕音效利用矩阵编码的技术, 将主声道、中央声道与后方的环绕声道挤压到两个声道中, 并以AC-3格式储存. 当以杜比数码系统译码播放时, 可以聆听到完整的五声道, 不过环绕声道为单声音效, 而非立体声. 不是只有四个喇叭, 怎么会是五个声道发声呢？那是因为一般家庭剧院系统后方的环绕声道都是双声道, 这里就是以双声道来呈现单声到, 也就是让两个喇叭发出一模一样的声音.

　　4. Dolby Digital 4.0 : 杜比数码环绕音效4.0把独立的四个声道, 包括主声道、中央声道与环绕声道编码成AC-3格式储存至DVD影片中, 因此透过杜比数码系统译码播放时, 可以听到完整的五声道. 此时环绕声道为独立的单声道录音. 乍看之下, Dolby Digital Surround与Dolby Digital 4.0似乎是一样的, 其实不然. 严格说来, Dolby Digital Surround是利用两个声道来储存数据, 中间声道与环绕声道都是从这两个声道推演、计算出来的﹔不过Dolby Digital 4.0却是扎扎实实的使用四个声 道来储存主声道、中央声道与环绕声道, 还是有些不同.

　　5. Dolby Digital 5.0 : 杜比数码环绕音效5.0把独立的五个声道, 包括主声道、中央声道与后声道编码成AC-3格式储存到DVD影片中, 当透过杜比数码系统译码播放时, 可以还原完整的五声道. 此时后方的环绕声道开始走独立双声道路线, 提供更精确的定位感与音场包围感.

　　6. Dolby Digital 5.1 : 杜比数码环绕音效5.1除了主声道、中央声道与后声道外, 另外加上一个超低音声道, 然后将这个六个声道编码成AC-3格式储存. 因此以杜比数码系统译码播放时, 可以聆听到五个声道再加上一个超低音声道. 由于这个低音声道只涵盖低频范围, 并不是完整的频率范围, 所以以0.1视之. 提醒读者一点, 并不是所有的DVD影片都提供低音声道音效, 因此, 如果您的主声道喇叭的低频够沈, 其实也可以发挥延伸低频的效果, 不见得非要加上这个超低音不可. 虽然Dolby Digital有多种可能性, 也包含多寡不同的输出声道, 但一般而言, 我们都简单的以Dolby Digital来表示Dolby Digital 5.1, 也就是5.1声道的Dolby Digital或AC-3. 至于两声道的Dolby Digital 2.0, 多半会以2 Channel Dolby Digital来称呼.

　　7. PCM 高音质数码音效: 相较于前述几种利用AC-3编码技术来压缩数据量的作法, DVD也可以利用PCM格式储存未经压缩的双声道讯号, 由于没有经过任何压缩损失的处理程序, 因此可以获得最佳的音质表现. 其实这种PCM录音格式跟CD唱片是一样的, 但由于DVD具有庞大的空间与速度优势, 可以大胆使用更高的取样率与分辨率, 因此可以提供远高于传统CD的表现.

　　8. DTS 数码环绕音效 : 同样属于5.1声道的环绕效果, DTS采用与AC-3不同的压缩技术将环绕音效储存至DVD. 播放时必须采用具有dts译码能力的系统, 才能将隐藏在DVD中的5.1声道释放出来. 同样是5.1声道, DTS跟Dolby Digital 5.1有何差异？ 最大的差别, 在于两者使用不同的‘算法’, 也就是使用不同的方式来压缩5.1个声道的声音.


Dolby Digital 5.1可以将相同的数据压得更少, 占用最小的空间. 反过来讲, 由于DTS不刻意追求最强悍的压缩能力, 因此也有机会保存更多的信息, 如果处理得当, 确实可以提供很优越的表现.　

　　编码方式 Dolby Digital (Dolby AC-3) Dolby Pro Logic DTS

　　处理方式 各声道独立数码编码 　模拟矩阵运算 各声道独立数码编码

　　录制声道数* 5.1 声道　　　2 声道 5.1 声道

　　播放声道数 5.1 声道 　　 4 声道 5.1 声道

　　环绕声道是否立体 立体 单音 立体

　　环绕声道频宽 20Hz~20KHz 100Hz~7KHz 20Hz~20KHz

　　独立的超低音声道 有 无 有

　　传输率 　　　　 448kbps** N/A 1536kbps

　　注：*表示录制时, 需要占用的声道数（Channel）. 譬如说, Dolby Prologic虽然属于四声道的环绕系统, 但实际上却可以利用矩阵演算（Matrix）的方式将中央声道与环绕声道隐藏在两个声道中, 所以只占用两个声道来储存. **这是一般DVD上的平均值, 但实际的传输率是可能变动的.

　　当今的霸主A-C3

　　AC-3发展当初是为了应用在电影院上的,AC-3音效因为胶卷的空间实在有限,所以AC-3音效的数据是存放在胶卷上,齿孔与齿孔的中间,这部分的空间实在太小了,所以杜比的工程师只好将他们认为人耳听不到的地方加以删除,藉以节省空间,这种破坏性的压缩还是会造成失真的,但是为了迁就原有器材上的限制,这也是逼不得已的做法

　　AC-3采用6只喇叭模式,除了超重低音部分外,其余皆是全频段Stereo声道,48KHz,16bit,且现场拍摄时每个声道皆是独立麦克风来录制,所以AC-3的后环绕声道拥有完整的定位能力

　　AC-3数据的流量,两声道是192Kbps,大约是未压缩数据的8分之一大小,5.1声道的流量是384Kbps~448Kbps,最高可提升到640Kbps,越大的数据流量代表越小的压缩比例,音质相对的会更好,可听到的细节也会多,但Dolby AC-3将S/N比控制的很好,所以影响的重点就是可听到的细节多寡与否了.

　　后起之秀的DTS

　　话说Dolby Digital是将音效数据储存在胶卷上齿孔的中间,因为空间的限制而必须采用大量压缩的模式,所以也牺牲了部分的音质, 但是这种限制却被原本默默无名的小公司DTS用简单的方法解决了,方法就是将这些音效数据放到另一台CD-ROM上面,再使它与影像同步就好了,这样一来不但空间增加,数据流量也可以相对的变大,更可以将放音效数据的CD片换掉,即可拨放其它的语言版本,对电影院来说真是相当的方便,也因为这样DTS在专业剧院上胜过了Dolby AC-3.

　　到了LD时代,因为LD先天上规格的限制,无法兼容5.1声道的Dolby AC-3及DTS,正可谓鱼与熊掌无法兼得,这也造成DTS在家庭剧院市场的失败,到了现在的DVD时代,因为DVD的超大容量可以兼容AC-3与DTS于一张影碟上,但是因为某些非技术层面上的问题,DTS必须采用与以往PCM格式不兼容的PES格式,虽然数字输出的接头是一样的,但是旧有的DVDPLAYER无法辨识PES格式,所以逼的想采用DTS音效的使用者必须更换新一代的机种才能使用DTS,这无疑的又阻碍了DTS的路线。

　　DTS跟AC-3的差异处在于数据流量的大小,DTS在DVD上拥有1536Kbps的数据流量,以384Kbps~448Kbps来比较,足足多了3倍多的数据流量,即使将AC-3拉到极限的640Kbps,DTS还是强过2倍有余,这使得DTS能较AC-3听到更多的细节,整个空间感及移动感降会更加优良,更加清楚.

　　代价高昂的THX

　　THX是由奥斯卡音效奖得主的乔治卢卡斯所发明的,跟Dolby Digital及DTS是不同理念的产品,虽说它也是5.1声道,喇叭的摆法也可以说是一样的,但是它具有准确定位的只有前方三个声道,后环绕只是两个Mono声道而已.

　　THX的精神在于改善原有电影院及家庭剧院的音效品质,将原本电影想表达的音效正确的呈现给在电影院或是家里观赏影片的使用者,所以THX对于每个环节,例如影碟,扩大器,喇叭,甚至是视听空间的规格都有严格的要求,差一步都不行,也因为每个器材都需要经过认证,所以加起来的认证费用相当高,要享受完整且正确的THX音效,的确所费甚巨.

　　THX还有个相当考虑周延的地方,因为电影院的中置声道位于屏幕的后方,这样势必会造成高频部分的衰减,所以在影片录制时会刻意的增益高音部分效果,以弥补穿透过屏幕时的衰减,这样如果直接套用在家庭剧院里的中置声道上是不太妥当的,因为家庭剧院的中置声道并不需要穿透屏幕,所以会造成高频部分的表现过于突兀,丧失了影片原本要表达的效果.

　　THX也是5.1声道的规格,喇叭的摆位大致上也是相同的,不过其真正的定位效果只限于前方的三个声道,后环绕声道是只有Mono音效的.

　　注 :新版的THX规格,后环绕已具有完整定位,可与AC-3/DTS搭配

　　THX与前两者的比较?

　　既然THX与AC-3及DTS的理念不一样,特色也不一样,定位效果更不如前两者的后环绕立体音独立定位,所以立足点不一, 何来的比较? THX基本上来说是对于器材及环境的一个要求,也算是一个后级处理而已,得到THX的认证, 代表着其音效表现有一定的水准, 当然THX是可与AC-3及DTS相辅相成的,有了AC-3或DTS系统,再加上THX的 认证更是如虎添翼,当然AC-3及DTS的器材只要够水准,符合THX对于"音质表现"的标准,当然可以拿去THX做认证.


SDDS 音效

　　SDDS的全名是Sony Dynamic Digital Sound, 当然是由Sony所发展出来的, 它使用与MD同出一源的感觉编码压缩技术, 由于美国八大影业的哥伦比亚／三星（Columbia/Tri Star）公司隶属Sony公司旗下, 理所当然会推出此种音效的 拷贝, 只不过在Dolby Digital与DTS占有率较高的阴影下, SDDS目前的影响力比较低. 与Dolby Digital及DTS的5.1 声道不同的是, SDDS属于7.1声道的系统, 多出来的两个声道是中左声道与中右声道, 也就是说SDDS在前方 共有五个声道. DTS跟随着Dolby Digital的脚步正式进入家用环绕系统的市场, SDDS是否有机会也参一脚进 入家用的市场呢？目前Sony还没有这方面的动作, 短期之内应该是没有可能在家里尝试SDDS音效的.

　　DTS ES Discrete 6.1

　　大部分AV迷都还未拥有6.1或7.1声道系统时, DTS又在今年2000年6月15日正式宣布推出新的6.1声道系统, 这个新系统称为DTS ES Discrete 6.1. Discrete是什么意思呢？就是分离、独立的意思.

　　这也就是说, DTS ES Discrete 6.1 就是把后环绕录在一个独立音轨里（其实是在母带的5.1声道核心区域之外再附加一个独立的延伸区域）, 不需要先经过矩阵编码混入左右环绕声道的程序.

　　既然没有矩阵编码, 当然也就不需要再从左右环绕声道中译码分离 出来. 其实, 我们目前在使用的5.1声道每声道都是独立的, 并没有相互混和. 只不过为了「权宜」后环绕声道, 才又用了以前矩阵混合的老方法来处理后环绕声道. 根据DTS的Lorr Kramer（Director of Spacial Technical Projects）说, 他们本来就认为用矩阵方式把后环绕声道安插在左右环绕声道里的作法并不妥当, 所以早就想把后环绕声道以独立声道来处理, 而这在技术上并不困难.

　　加上以后电影院播放的的电子电影E-Cinema（或称数字电影Digital Cinema）已 经确定要用独立的后环绕声道, DTS系统在电影院里的占有率并不亚于杜比系统, 所以一定会在电影院里使用独立的 后环绕系统. 既然如此, DTS干脆决定也在家用市场里推出独立的后环绕声道系统, 这也就是DTS ES Discrete 6.1系统.

谢谢楼主,辛苦楼主了!

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